Дизайнеры 20 века список


Фото: Nathan Dumlao/Unsplash
Фото: Nathan Dumlao/Unsplash
Дизайнеры 20 века список

Предмет, созданный великим дизайнером, отличается тем, что в момент своего появления готов «рассказать» нам, как может выглядеть будущее, а через несколько десятков лет после создания становится символом эпохи и источником идей для молодых дизайнеров. Например, круглые табуретки Алвара Аалто Stool 60, появившиеся на свет в 1933 году, знакомы многим как «табурет Фроста» из IKEA и стоят на кухнях многих молодых семей. Форма ножки офисного кресла, разработанного влиятельными дизайнерами 50-х, супругами Чарльзом и Рэй Имз, спустя полвека легла в основу перевернутого каблука знаменитой модели туфель United Nude Eamz авторства Рэма Колхаса — тезки и племянника знаменитого голландского архитектора.


Порой дизайн той или иной вещи входит в историю благодаря интернет-фольклору, помноженному на успешные маркетинговые стратегии. Например, рельеф советского бетонного забора «в ромбик» ПО-2, который ограждает российские промзоны с семидесятых годов, стал источником вдохновения для ювелирных изделий, а телефон Nokia 3310 перевыпустили спустя 17 лет — поспособствовали этому ностальгические мемы о том, что можно было колоть этой трубкой орехи. Но такие случаи, скорее, исключение. Чаще всего символы эпохи создают дизайнеры, которые не просто придумывают еще один удачный стул или автомобиль, но предлагают новый взгляд на быт и потребление. Ниже пойдет речь о пяти современных дизайнерах, изобретения которых уже вошли в историю материальной культуры.

Фото: Gorenje
Фото: Gorenje

Филипп Старк

Старка всегда называют первым в списке самых значимых современных дизайнеров, потому что он в своих проектах точнее и ярче других воплотил идеи постмодернизма с его смешением культурных моделей, цитатностью, эклектичностью и иронией. Старк придумал пластмассовый прозрачный стул «Призрак», силуэт которого напоминает кресло для аристократических гостиных.


о серия торшеров в виде позолоченных пистолетов и автоматических винтовок стала антимилитаристским высказыванием: таким образом Старк заставил «пушки» замолчать. Влиятельным он стал благодаря тому, что ему одинаково хорошо удается дизайн как бытовых предметов, так и интерьеров космической ракеты и нескольких мегаяхт. Облик яхты Venus Стива Джобса стоимостью 100 миллионов евро придумал именно Старк. Московский бомонд нулевых помнит оформленный им ресторан Bon: снаружи заведение было стилизовано под закрытый стрип-клуб, внутри выглядело как особняк, в который пролезли вандалы и исписали маркерами стены. Мастерство Старка заключалось в том, что Bon, несмотря на вызывающую концепцию, был абсолютно комфортным для посетителей. Несмотря на то что самые громкие работы дизайнера отличаются эпатажностью, он знает, в каких случаях предмету лучше не кричать о себе, а быть отражением своего владельца. Таков его проект кухни gorenje by Starck: дизайнер «спрятал» бытовую технику за зеркальными панелями, чтобы в них отражались предметы декора и вещицы, милые сердцу хозяев квартиры. Филипп Старк первым из современных дизайнеров достиг славы уровня звезды шоу-бизнеса, причем звезды народной: имея в портфолио множество сверхдорогих интерьерных проектов, он старается делать и демократичные вещи, чтобы каждый мог позволить себе что-нибудь «от самого Старка». В свободное от оформления отелей или яхт время он создает дизайн китайских смартфонов и зубных щеток.


Фото: Wikimedia Commons
Фото: Wikimedia Commons
Марсель Вандерс

Марсель Вандерс

Дизайнер из Нидерландов Вандерс подшучивает над модернизмом, в основе которого лежала концепция стремительного движения в будущее. Вандерс делает вещи такими, чтобы при взгляде на них приходили на ум образы из материальной культуры прошлого. Его светильник в виде коня с ретроабажуром на голове вызывает, с одной стороны, ассоциации с интерьером «родительского дома», с другой — навевает воспоминания о том, как мы восхищались конными скульптурами в детстве. Вандерс считает, что функциональность — не всегда главная характеристика бытового предмета. В интервью «Снобу» Вандерс говорил: «Я не за минимализм, а за оптимализм. А минимализм придумали лентяи, потому что… ну что там делать?» Он хочет, чтобы созданные им вещи становились любимыми, передавались по наследству и с годами превращались в сокровища, поэтому старается сделать их максимально привлекательными. Даже название его студии — Moooi — с голландского можно перевести как «Ооочень красивое».

Фото: Gorenje
Фото: Gorenje

Карим Рашид


Наполовину египтянин, наполовину англичанин, Карим Рашид часто делает вещи ярких цветов и округлых форм — они напоминают одновременно гигантские игрушки и детали звездолета. «Почерк» автора узнается с первого взгляда на его работы, исполненные жизнерадостного технооптимизма. Рашид говорит, что никогда не вдохновляется предметами прошлого; как настоящий инфлюенсер, он написал свой манифест дизайна, в котором утверждает, что при создании предмета нужно брать в расчет меняющиеся нормы поведения в обществе и понимать устремления современной культуры: «Дизайнеру стоит разбираться не только в конструировании, но и в самой жизни». После того как компания Gorenje предложила ему сотрудничество, он сразу понял, какой должна быть кухня для любителей прогресса: футуристической лабораторией для гастрономических экспериментов.

Карим Рашид верен своей идеологии, которую он называет поплюкс (poplux, популярный люкс. — Прим. ред.). Согласно этой идеологии, вещь должна выглядеть восхитительно, но при этом не стоить как предмет роскоши.

Фото: Wikimedia Commons
Фото: Wikimedia Commons
Наото Фукасава

Наото Фукасава


Фукасава — апологет аскетичности и визуальной чистоты предметов. Поэтому вещи от Фукасавы так любят сами дизайнеры: на них взгляд буквально отдыхает. Наото убежден, что из предметов дизайна не должна «выглядывать» личность создателя. В своей книге «Контур дизайна» он говорит, что вещь в любом случае несет отпечаток рефлексии создавшего ее дизайнера, поэтому любое дополнительное выражение индивидуальности автора — прямой путь к манерности. Наиболее популярны его работы для японской марки Muji, выпускающей предметы быта, одежду, мебель, а с недавних пор еще и экологичные микродома. Чаще всего продукты Muji характеризуют как «простые, но идеальные» — для Фукасавы это, пожалуй, лучшая похвала. Он знает, что сложнее всего придумать именно нейтральный предмет. От идеи визуальной выразительности он пришел к «тактильному брендированию», при котором дизайнер уделяет особое внимание таким характеристикам, как вес предмета, его изгибы и текстура поверхности, чтобы потребитель впоследствии мог узнать творение автора буквально на ощупь.

Фото: Gorenje
Фото: Gorenje

Ора Ито

Ито Морабито — самый молодой из этого списка. Ему 41 год, из которых 22 он посвятил дизайну. Дизайнер отказался от имени, чтобы не привлекать внимания к своим семейным корням (он из рода известных скульпторов), и усердно принялся продвигать свое новое имя — Ора Ито, поняв, что только звезд приглашают на самые интересные проекты.


1999 году он выпустил серию картинок с концепт-продуктами «от известных марок». Среди них были камуфляжный «хакерский» MacBook, беговой рюкзак Louis Vuitton и так далее. Ора Ито отталкивался от того, какие ассоциации возникнут у потребителей при взгляде на «надкусанное яблоко» или знаменитый паттерн LV, и сочинял предмет с совершенно противоположными характеристиками. Так он иронизировал над стилем жизни, который навязывал покупку знаковых вещей. План молодого дизайнера сработал: после выхода этой серии работ большие компании стали чаще приглашать его к сотрудничеству. Вскоре Ора Ито обошел многих более известных на тот момент профессионалов и стал получать весомые заказы. Например, он разработал дизайн трамваев в Ницце и интерьер офиса одного из департаментов фэшн-гиганта LVMH. Со временем Ора Ито пришел к идее «симплексити» — он сам придумал этот термин, соединив в нем понятия «простой» и «сложный» (simplicity и complexity. — Прим. ред.). Простой должна быть форма вещи, сложным, точнее, глубоким, тщательно проработанным — ее смысл. Несмотря на то что идею «простых вещей с непростым смыслом» до Ора Ито реализовывали сотни дизайнеров, именно он стал ее «лицом»: во-первых, уж очень хорошее слово он придумал, а во-вторых, он оформил немало объектов, безупречных в своей «простоте». Одним из таких проектов стала коллекция лаконичной бытовой техники gorenje by Ora Ito, способной идеально вписаться в любой интерьер.


Источник: snob.ru

Основателем “От Кутюр” (от французского «haute couture» в переводе – “высокое портновское искусство”) считается английский портной Чарльз Фредерик Ворт. В 1845 году, в возрасте двадцати лет, не имея ни гроша в кармане, он приехал завоевывать Париж. Он прославился тем, что создавал наряды для императрицы Евгении. Среди его клиентов было девять королей и самые знаменитые актрисы того времени.

Еще одним всемирно известным кутюрье был Поль Пуаре. Он начал свою деятельность на рубеже 19-го и 20-го веков. Источником вдохновения для него служили знаменитые “Русские сезоны” Дягилева. Поль Пуаре блестяще владел искусством создания роскошных, ярких, экзотических нарядов. Созданные им экстравагантные, с налетом театральности, модели эпатировали публику тех лет.

Основоположницей российского моделирования была Надежда Петровна Ламанова. В 1925 году, на Всемирной выставке в Париже, работам Ламановой, выполненным из бечевки, шнура, соломки, вышитого холста, фрагментов русских национальных полотенец и других подлинно народных тканей, был присужден “Гран при” за незаурядный талант и национальную самобытность.


После Первой Мировой войны в Париже, центре шика и элегантности, открывались все новые и новые модные дома. “От Кутюр” бурно развивалась, став, в конце концов, “меккой” моды, центром возникновения художественных идей в создании костюма, законодателем правил, диктующих, каким должен быть внешний облик современного человека. Коко Шанель, Кристиан Диор, Пьер Карден, Ив Сен-Лоран, Джанни Версаче, Пако Рабанн и многие другие стали высшими авторитетами в области элегантности и шика. К их мнению прислушиваются миллионы женщин во всем мире. Эти большие художники создали и продолжают создавать идеальные образы нашего времени, совершенные образцы для подражания. Идеи, рожденные ими, словно круги по воде, расходятся затем по всему миру, оказывая огромное влияние на тот образ современного человека, который мы, в конце концов, видим на улицах наших городов.

Коко Шанель

Коко (настоящее имя Габриэль) Шанель попала в объектив высокой моды в начале 20-го века, после Первой мировой войны. Она начала с того, что стала активно реформировать женскую одежду. Коко широко использовала в своих моделях трикотажное полотно “джерси”. Она ввела в модный обиход трикотажный комплект-двойку: тонкий джемпер плюс кардиган, заменила украшения из драгоценных металлов элегантной бижутерией. Она украшала свои модели “золотыми” цепочками и пуговицами, а также длинными нитями бус из искусственного жемчуга. Коко Шанель изобрела “маленькое черное платье”, этот шедевр элегантности и изящества. Она придумала духи “Шанель № 5”, принесшие ей огромный капитал, и до сих пор остающиеся парфюмерным бестселлером.


В историю моды Коко Шанель вошла со своим знаменитым костюмом, который стал называться ее именем. Костюм “шанель” представляет собой юбку и прямой жакет без воротника из роскошной, изысканной “рогожки” – пестроткани с редким переплетением, узелками и небольшим ворсом. Края жакета, карманов и рукавов костюма “шанель” окантованы эффектной декоративной тесьмой. Костюм украшен множеством “золотых” пуговиц, расположенных по краю борта, на карманах и рукавах.

Знаменитыми стали также сумочка и туфли “шанель”. Необычайно женственная сумочка “шанель” представляет собой прямоугольник из простеганной ткани (кожи, замши) на длинной “золотой” цепочке, состоящей из крупных звеньев. Туфли “шанель” сделаны из кожи светло-бежевого цвета с черными носами и задниками.

Кристиан Диор

Кристиан Диор, как уже говорилось выше, вошел в историю моды после того, как в 1947 году предложил новый стиль “new look”. Диор создавал свои модели для утонченной, аристократичной по духу, интеллигентной женщины, в облике которой нет и тени вульгарности.

Кристиан Диор умер в 1957 году, и его модный дом возглавил его любимый ученик, Ив-Сен Лоран. С тех пор в модном доме под торговой маркой “Кристиан Диор” сменилось много ведущих художников-модельеров, но общая направленность оставалась неизменной: модели Диора предназначены все той же интеллигентной, утонченной женщине с хорошим вкусом. Любимые цвета дома “Кристиан Диор”: черный, белый, серый, светло-бежевый, а также богатая гамма сиреневых и лиловых оттенков. Дом Диора прославился также своей линией декоративной косметики и знаменитыми духами (“Мисс Диор”, “Пуазон”, “Дюна” и др.).


Пьер Карден

Пьер Карден, архитектор по образованию, стал одним из ведущих художников-модельеров в 60-е годы, после того, как представил публике свою коллекцию в футуристическом стиле. Модели Пьера Кардена предназначены для элегантных женщин, смелых по духу, готовых к восприятию нового.

Пьер Карден изобрел такие виды одежды, как кожаный сарафан и обтягивающие сапоги-чулки выше колен. Он ввел в модный обиход накидки-“пончо” и джемперы с воротником под горло, связанные тонкой резинкой-“лапшой”.

Пьер Карден также известен как художник, создающий авангардные модели мебели. Разработанная им мужская кожгалантерея пользуется большим спросом. Пьер Карден творит и как театральный художник (известны его смелые, экстравагантные костюмы, созданные для балетных спектаклей с участием Майи Плисецкой).

Ив Сен-Лоран

Ив Сен-Лоран вошел в мир Высокой моды в 1955 году, в девятнадцатилетнем возрасте. Модели Сен-Лорана отличает совершенство вкуса и безукоризненный крой. Его любимая клиентка – известная киноактриса Катрин Денев.

Ив Сен-Лоран знаменит тем, что ввел в повсеместный обиход брючный костюм, без которого сейчас невозможно представить себе гардероб элегантной женщины. Он же изобрел женский смокинг. Сен-Лоран предлагает носить пиджаки вечерних брючных костюмов на голое тело, дополняя их золотыми или бриллиантовыми колье и другими изысканными украшениями.

Высокие женские и мужские сапоги-“казачок” со складками на голенище, большие узорчатые шали с кистями, стеганые жилеты и меховые шапки-папахи с легкой руки Сен-Лорана стали необычайно модными. В 1976 году он продемонстрировал коллекцию моделей по русским мотивам, названную им “Русские балеты и оперы”. Он утверждал, что во время создания этой коллекции он вдохновлялся экзотическими образами российской истории: боярами в тяжелых меховых шубах, цыганками в красочных юбках, шумными базарами древней Казани, татарскими всадниками в стеганых халатах и т. п. Коллекция имела большой успех, следствием которого стало распространение элементов русского фольклора в мире моды.

Джанни Версаче

Дом моды итальянца Джанни Версаче, несколько лет назад ушедшего из жизни, теперь возглавляет его сестра, Донателла Версаче.

Стиль Версаче – это смелость и чувственность. Модели Джанни Версаче предназначены для людей богатых, уверенных в себе, стремящихся к роскоши и успеху. Стиль Версаче пользуется огромной популярностью у нуворишей всех стран.

Для моделей Джанни Версаче характерно использование шикарных, эффектных тканей сочных цветов и оттенков, а также экстравагантные, смелые, изысканно-сексуальные фасоны. Характерный наряд стиля Версаче: почти расстегнутое вечернее платье рубашечного покроя, сшитое из изумрудно-зеленого шифона с крупным узором, плюс трусики из такой же ткани. Или – вечернее платье с экстравагантным декольте из ткани с расцветкой “под леопарда”, комбинированное с тончайшей лайковой кожей черного цвета.

Вещи, созданные Джанни Версаче, украшает эмблема его торгового дома: голова Медузы Горгоны. Эта эмблема красуется на джинсах линии Версаче, на пряжках ремней, пуговицах и т. п.

Пако Рабанн

Пако Рабанн начал свою деятельность в 60-е годы. Этот уникальный художник стоит особняком в мире моды. Каждое его дефиле вызывает бурю восторгов и массу споров.

Пако Рабанн буквально взорвал традиционные представления о красоте и элегантности тем, что использовал для создания своих моделей такие материалы, как пластик, полиэтилен, металлические пластины, жесть, проволоку и т. п. Волшебное мастерство Рабанна заключается в том, что он создает из этих материалов сказочную, неземную красоту. Все модели коллекций Пако Рабанна создаются вручную, причем, чаще всего, самим маэстро.

Манекенщицы в моделях, созданных Пако Рабанном, выглядят как загадочные, волшебные, сверкающие пришелицы из космоса или из мира “фэнтэзи”. Все движется, колышется, сверкает, звенит… Феерия цвета, линий, фактур, созданная этим красивым испанцем, превращает зрелище дефиле в захватывающий праздник красоты.

Творчество Пако Рабанна оказывает на моду хотя и косвенное, но, тем не менее, весьма существенное влияние. Его творческие поиски побуждают промышленность разрабатывать новые синтетические материалы и внедрять, революционные технологии. Кроме того, творчество Пако Рабанна стимулирует разработку новых, более современных способов кроя.

Пако Рабанну, по всей вероятности, мы обязаны появлением сумок, обуви и украшений из прозрачного пластика и полированного металла, купальников из лайкры неоновых расцветок, а также курток из металлизированной ткани и т. п.

Келвин Кляйн

Келвин Кляйн является изобретателем таких стилей, как “унисекс” и “минимализм”. Этот спортивный, подтянутый американец создает свои модели для жителей мегаполисов. Героиня Келвина Кляйна – это активная, работающая женщина, творческая и деловитая, изысканная и скептичная. Она не желает “наряжаться”. Ее стиль – это неброский, незаметный с первого взгляда шик.

Келвин Кляйн – автор истинных шедевров элегантности. В своих коллекциях он использует такие, казалось бы, простые вещи, как пиджак, джинсы, футболка, простая блуза-рубашка. и т. п. Из таких обычных, неброских материалов, как серый трикотаж, темно-синий поплин, бежевая фланель, коричневый твид, плащевка защитного цвета он создает изысканные и утонченные модели одежды.

Героиня Келвина Кляйна одевается так же, как ее муж или друг: это простые, почти лишенные деталей, но вместе с тем изысканные вещи класса люкс, отмеченные своеобразным современным шиком.

Валентин Юдашкин

Валентин Юдашкин первым из российских кутюрье взошел на мировой Олимп моды, показав всему миру то понимание роскоши и люкса, которое присуще русским, добившимся большого жизненного успеха.

Стиль Юдашкина по-восточному декоративен и богат, напоминая о том, что Россия – не только европейская, но и азиатская страна. Неброский шик – не его стихия. О его моделях можно сказать: это роскошь, которую невозможно не заметить. Дорогие ткани (бархат, атлас, муар, шифон), торжественные, яркие цвета, невероятные головные уборы, золото, кружево, перья – все это заставляет вспомнить о с восточной роскоши и имперском величии.

Творчество Валентина Юдашкина схоже с всемирно известными спектаклями русского балета: та же театральная декоративность, то же богатство и великолепие. Надо отметить, что большой заслугой Юдашкина является то, что он возродил искусство русской декоративной вышивки, вдохнул в него новую жизнь.

Империя моды Валентина Юдашкина развивается, создавая престиж российскому “От Кутюр”, представляя российскую культуру нового типа во всем мире.

Бутики

Бутик в переводе с французского означает “лавка”. Сегодня бутик – это небольшой шикарный магазин, в котором продаются модели известных дизайнеров, созданные в одном или нескольких экземплярах. Во всяком случае, каждая серия не превышает нескольких десятков штук.

Вещи, продающиеся в бутиках, разумеется, дороги. За что платит свои деньги покупатель? Он платит их, во-первых, за эксклюзивную ткань, которая создана специально для пошива коллекции и не продается в обычных магазинах. Во-вторых, он платит за эксклюзивную, безупречно подобранную фурнитуру. В-третьих, он платит за безукоризненный крой, делающий фигуру более совершенной, чем она есть на самом деле. И, наконец (и это самое главное), он платит за имя, за ярлык с логотипом известного дизайнера, украшающий изнанку данной модели. В конечном итоге, покупатель платит за свой престиж, за то чувство удовлетворения и гордости, которое он испытывает, покупая ту или иную эксклюзивную вещь.

Бутики не зарабатывают больших капиталов, продавая свои шикарные модели. Ведь покупателей, способных оплачивать их, не так уж много. Бутики (точнее, дизайнеры) зарабатывают совсем на другом: на косметике, духах, шарфах, колготках, портмоне и тому подобных мелочах, которые продаются в тех же бутиках. Мало какая женщина может позволить себе купить платье от Диора, но приобрести себе флакон духов “Дюна” или тюбик помады “Кристиан Диор” она может. Таким образом, гораздо большее количество женщин имеет возможность приобщиться к миру высокой моды, к миру шика и роскоши, принося, в свою очередь прибыль создателям этих прекрасных вещей.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Источник: self.wikireading.ru

Грета Шутте-Лихотски (Margarete Schutte-Lihotzky)

Среди дизайнеров интерьеров представительниц прекрасного пола не так много, однако, в каждом доме есть зона, традиционно считающаяся именно женской. Конечно, это кухня. И неудивительно, что именно женщине, проводившей в этой комнате массу времени, пришла в голову идея оптимальным образом перестроить пространство, чтобы облегчить процесс приготовления пищи.

Грета Шутте-Лиховски родилась в Вене в конце XIX века, стала первой в своей стране женщиной, получившей высшее образование по специальности архитектор. Однако в историю она вошла, придумав так называемую «Франкфуртскую кухню», умещавшуюся на площади всего 6,5 квадратных метров, состоявшую из отдельных модульных секций и не оставлявшую ни одного пустующего квадратного сантиметра.

Именно Грета придумала встроенную бытовую технику, дополнительные места для хранения под плитой, выдвижные ящики для мелочей, лампы, располагавшиеся прямо над рабочей зоной. Кроме того, она с секундомером в руке засекала время, которое во время готовки тратится на метания между плитой, мойкой и столом, потому расположила все кухонные атрибуты в оптимальном порядке, создав максимально удобное для работы пространство.

Принцип расположения кухонной мебели, придуманный Гретой Шутте-Лиховски, используется до сих пор

Малоизвестный факт — Грета Шутте-Лиховский в 30-е годы была приглашена в Советский Союз, чтобы помочь с обустройством новых городов, таких как Магнитогорск.

До сих пор «Франкфуртская кухня» от венского архитектора остается актуальной и позволяет на небольшой площади создать уютный и функциональный интерьер.

Чезаре Паолини, Пьеро Гатти и Франко Теодоро

Имена трех молодых архитекторов из Турина вошли в историю дизайна интерьеров благодаря всего одному изобретению — бескаркасному креслу-мешку. Этот на первый взгляд несуразный и бесформенный предмет мебели завоевал популярность во всем мире, особенно часто используется в детских комнатах и ультрасовременных гостиных.

Созданный Паолини, Гатти и Теодоро первый мешок получил массу премий и наград, занял почетное место в Музее современного искусства в Нью-Йорке и признан самым значимым вкладом итальянских дизайнеров в обустройство интерьеров ХХ века.

Кресло-мешок может иметь любую форму, весит не более 4,5 килограмм и необычайно удобно

Бескаркасная мебель имеет множество достоинств — она легка, безопасная для детей, так как не имеет острых углов и твердых частей, не впитывает влаги, абсолютна экологична, ее можно стирать, менять чехлы в зависимости от настроения, а шарики полистирола, которыми кресло-мешок наполнено внутри хорошо сохраняют тепло и подстраиваются под форму тела сидящего человека.

Джей Осгерби (Jay Osgerby) и Эдуард Барбер (Edward Barber)

Два молодых английских дизайнера интерьеров, чьи изобретения также признаны знаковыми и вошли в коллекции музеев, в частности, Музея Виктории и Альберта в Лондоне, и изменили интерьер многочисленных квартир и домов в самых разных странах мира.

К наиболее известным изобретениям Осгерби и Барбера, создавших бренд Barber&Osgerby и собственное дизайн-бюро, можно отнести стол Loop (для Isokon Plus), имеющий обтекаемые формы и удобные полки для письменных принадлежностей и мелочей.

Стол Loop (для Isokon Plus) может служить и письменным столом, и кофейным, на его основе были изобретены также полки для книг и различных мелочей

Кроме того, именно Barber&Osgerby придумали диван с меняющимися одним движением руки чехлами, что позволяет экспериментировать с интерьером без особых затрат и кардинальной смены мебели.

Изменить цвет дивана от Барбери и Осгерби можно одним движением руки. К тому же он очень удобен

Английские дизайнеры известны тем, что работали над интерьерами магазинов Стеллы МакКартни и бара Pharmacy Дэмиена Херста, а также придумали новую форму бутылки для компании Coca-Cola и складывающуюся вешалку для одежды, которая стала непременным спутником всех, отправляющихся в путешествие.

Акилле Кастильони (Achille Castiglioni)

Зачастую элементы интерьера настолько прочно входят в жизнь, что пользуясь ими, люди даже не задумываются, кто именно был их создателем, кажется, что эти вещи существовали всегда и являлись неотъемлемой часть наших домов и квартир.

Именно к таким изобретениям можно отнести придуманные Акилле Кастильони, дизайнером из Милана, книжные полки, светильники на длинной изогнутой ножке, наручные часы, стулья необычной формы и удобные столики, имеющие насколько уровней.

Столик Basello от Акилле Кастильоне отличается тем, что его две столешницы могут свободно вращаться вокруг ножки

Четырнадцать работ Кастильоне выставлены в нью-йоркском Музее современного искусства, однако их главное достоинство — это искусство для всех, которое становится не просто музейным экспонатом, а удобным и привычным предметом быта.

Лампа ARCO, простая и элегантная, отлично вписывается в индустриальные интерьеры

Келли Хоппен (Kelly Hoppen)

На сегодняшний день Келли Хоппен является одним из самых популярных дизайнеров интерьеров не только в родной Англии, но и во всем мире. Достаточно сказать, что именно Келли была приглашена в качестве оформителя интерьеров в Barkli Virgin House, одном из самых престижных и известных проектов российской столицы, считающегося первым Домом клубного типа в Москве.

По словам Хоппен, ее стиль можно описать, как «английскую элегантность», она предпочитает мягкие, пастельные, бежевые тона, помимо создания интерьеров занимается дизайном фарфоровой посуды и большое внимание уделяет таким мелочам, как светильники, комнатные растения и сервировка обеденного стола.

Интерьер от Келли Хоппен, светлые стены, оригинальное зеркало, в котором отражается кресло такой же круглой формы и максимально простой торшер делают помещение необычным, но при этом не лишенным обаяния
Спальня от Келли Хоппен. Обилие текстиля, растения в оригинальных вазах, традиционно светлые стены — в результате получилось весьма уютное помещение

Росс Лавгроув (Ross Lovegrove)

Современный дизайнер Росс Лавгроув называет свой стиль «органическим минимализмом» и стремится придать природные, естественные очертания предметам интерьера. Его обтекаемые, необычной формы, но при этом очень удобные стулья и кресла идеально вписываются в ультрасовременный интерьер.

Стулья от Росса Лавгроува
Эти свои творения дизайнер назвал «Оранжевый, зеленый и белый Сверхъестественный стул»

Работы Росса Лавгроува выставлялись в центре Помпиду в Париже, в центре современного искусства в Нью-Йорке и других музеях мира. Широкую известность получили его необычные и очень привлекательные светильники в виде капель дождя, а также бутылки в форме льющегося потока воды и изогнутые колонки для музыкальных центров и домашних кинотеатров.

Алессандро Мендини (Alessandro Mendini)

Еще один известный итальянский дизайнер интерьеров, родившийся в Милане и прославившийся своими необычными, яркими и стильными интерьерами. Именно Мендини принадлежит термин «банальный дизайн», который он противопоставил вычурным, «надменным» интерьерам, изобилующим, лишними, по мнению дизайнера, деталями.

Интерес у покупателей во всем мире вызвала серия мастера «бесконечная мебель», которая предоставляла широчайшие возможности для творчества и давала возможность самостоятельно комбинировать различные предметы мебели, создавая интерьер по своему вкусу.

Работы Алессандро Мендини экспонируются в музеях Нью-Йорка и Парижа, кроме создания интерьеров дизайнер принимал участие в строительстве Музея Гронингер в Нидерландах, «Башни Рая» в Хиросиме, Япония, Сasa Della Felicita для Альберто Алеcси в итальянском местечке и многих других сооружений.

Интерьер арт-отеля Byblos Art Hotel Villa Amista, созданный Алессандро Мендини

Кроме того, итальянский дизайнер создал уникальные и получившие широкое распространение диваны в форме губ, кресло «Пруст» — нарочитое вычурное и повторяющее основные приемы стиля барокко, диван «Кандинский», который станет ярким пятном и центром внимания в любом интерьере и многие другие модели мебели, входящие в многочисленные коллекции.

Кресло и пуф от Алессандро Мендини, коллекция Settecento

Вернер Пантон (Verner Panton)

Дизайнер интерьеров, родившийся в Дании, отличался радикальными взглядами на современный интерьер. Именно ему принадлежат знаменитые высказывания «Цвет важнее формы» и «Нет такого закона, по которому в гостиной должны стоять диван, два кресла и журнальный столик. Есть масса других способов создать атмосферу релаксации».

Такие заявления звучали бы несколько самонадеянно, если бы дизайнер не воплотил свои идеи в жизнь, доказав, что может существовать стул «без ручек и ножек», названный самым известным стулом ХХ века.

 Стул Panton Chair был придуман Вернером Пантоном в 1960 году и еще семь лет дизайнер искал фабрику, которая согласилась бы запустить такое необычное творение из цельного куска пластика в промышленное производство

Также популярен стул Cone, представляющий собой перевернутый конус, кресло в форме сердца и другие модели стульев от Вернера Пантона. Его стиль стал прототипом психоделического дизайна 70-х годов, а мебель производит скорее впечатление скульптур, чем предметов интерьера.

Карим Рашид (Karim Rashid)

Американец египетского происхождения Карим Рашид считается одним из самых титулованных дизайнеров интерьеров Соединенных Штатов. На его счету свыше 3 тысяч изобретений в области дизайна, он работал над интерьерами не только жилых зданий, но и магазинов, аптек, торговых центров, выставок, телестудий, гостиниц, развлекательных и промышленных центров.

Среди самых известных работ Карима Рашида — концептуальные стулья, прозрачные и украшенные яркими узорами

Стиль дизайнера получил название «чувственный минимализм», так как Карим Рашид стремится к простым, природным формам и в то же время его творения нельзя назвать слишком простыми и безликими, они всегда вызывают ощущение чего-то необычайно нежного и даже сентиментального.

Кресло с «говорящим» названием «Тет-а-тет» от Карима Рашида — идеальное место для свидания с любимым человеком

В интерьерах от американского дизайнера всегда много плавных линий, а мебель часто вовсе не похожа на привычные диваны и кресла. Работает Карим Рашид и над дизайном сантехники, предлагая ванны со встроенным экраном телевизора, плавными формами и необычным, ярко-малиновым или красным дном.

Интерьер гостиной, разработанный Каримом Рашидом

Аалто Алвар Хуго Хенрик (Hugo Alvar Henrik Aalto)

Изобретатель стула на трех ножках, архитектор, создавший проект концертного зала «Финляндия» в Хельсинки, Выборгской библиотеки и других зданий, считается отцом «северного модернизма в дизайне и архитектуре.

Аалто Алвар — финский дизайнер и архитектор, считавший, что мебель должна быть в первую очередь рациональной «с человеческой точки зрения», удобной для людей, а не для техники.

Трехногий стул от Аалто Алвара

Именно ему мы обязаны максимально простым и в то же время устойчивым стулом на трех ножках и круглым сиденьем, креслом в виде шезлонга и другими изобретениями в сфере дизайна интерьеров, прочно пошедшими в нашу жизнь.

Кресло в виде удобного и очень простого шезлонга было изобретено дизайнером еще в 1936 году

Спроектированная Аалто Алваром мебель остается в массовом производстве и по сей день, став непременным элементом интерьера домов в самых разных странах мира.

Это только краткий список людей, чьи изобретения в области дизайна интерьеров оказали существенное влияние на окружающий нас мир. Стоит отметить, что попробовать свои силы в создании интерьеров часто решают и известные архитекторы, и модельеры. Например, интерьер самого дорогого на сегодняшний день пентхауса в Сочи в жилом комплексе «Королевский парк» был создан модельером Валентином Юдашкиным. Стоимость этого роскошного предложения превышает 12 миллионов долларов.

Кабинет пентахауса, интерьер которого был разработан Валентином Юдашкиным
Домашний кинотеатр пентхауса в ЖК «Королевский парк»

Как видим, интерьер получился весьма интересным и необычным, призванным удивлять и поражать своей роскошью и небанальным подходом к оформлению пространства. Есть в пентхаусе и комнаты в восточном, марокканском стиле, особенно пышные и яркие.

Попробовать свои силы в создании предметов интерьера может каждый, для этого вовсе не нужно специальное образование, только фантазия и понимание того, что данный стул или кресло могут стать новым словом в дизайне помещений. Оформляя свое жилище и подбирая обои или мебель, каждый становится настоящим дизайнером интерьеров. Вот только почему-то далеко не каждому удается создавать вещи, способные по-настоящему изменить мир, удивлять и радовать всех, кто так или иначе соприкоснулся с творением настоящего мастера.

Источник: zen.yandex.ru

Зачем тебе это знать?

В цифровом маркетинге главный компонент — это контент. А контент должен быть правильно упакован. Иллюстрации для постов в ФБ, обложки страниц, инфографика, дизайн сайта, оформление презентаций — всё это инструменты борьбы за внимание клиента.

Когда у тебя заказывают дизайн, то платят за объем выполненной работы либо за затраченное время. Но покупают твоё видение, стиль и понимание, как вообще работает дизайн.

Современный маркетинг — это преимущественно визуальный контент. Грамотный графический дизайн становится инструментом эффективного маркетинга и влияет на успех бизнеса в целом. Поэтому для дизайнера, который рассчитывает на серьезные проекты, важно опираться не только на свои неглубокие представления о визуальной стороне маркетинга.

Умения искать хорошие референсы также недостаточно. Тот, кто ориентируется на работы других дизайнеров без понимания основ дизайна — это как ребенок, который перерисовывает силуэты героев любимых мультфильмов. Дизайнер, который копирует референсы, пусть даже талантливо, просто отрабатывает свою зарплату и довольствуется второстепенными позициями.

В сфере визуализации атрибутов бренда и создания визуального контента дизайнер должен вести бренд вперёд и задавать тренды, а не плестись в хвосте креативных процессов и питаться только идеями других дизайнеров.

В основе современных дизайн-систем подходы, которые заложили основоположники дизайна. Посмотри на список фамилий, который мы публикуем ниже, и оцени свой уровень понимания основ современного графического дизайна.

Пол Рэнд. Человек, который сделал все крутые логотипы 20 века

Почему он важен. Пол, помимо создания логотипов для IBM, UPS, ABC, Esquire и других брендов, одним из первых классифицировал полезность логотипа и описал её.

Logo IBM

Логотип IBM.

 

Почему о нем следует знать. Рэнд создал так много легендарных лого, потому что он строил свое творчество на системном подходе. Многие молодые дизайнеры считают, что дизайн — это чистый креатив. Пол Рэнд считал, что творчество должно строиться на системе ценностей, взглядов и определенной методологии.  Его взгляды нашли отражение в легендарном тесте Рэнда — универсальном алгоритме проверки логотипа по 7 параметрам: уникальность, читаемость, адаптивность, запоминаемость, универсальность, вневременность и главный пункт — простота.

Йозеф Мюллер-Брокманн. Человек, который упростил дизайн

Почему он важен. Именно он придумал Swiss Design — стиль, на котором построен весь графический дизайн второй половины 20-го столетия; более того, активно нёс его в массы.

Poster'Beethoven' for the concert hall

Плакат «Бетховен» для концертного зала.

 

Почему о нем следует знать. Принцип «Дизайн должен быть настолько очевидным, насколько это возможно» — основа современного минималистичного дизайна.

Армин Хофманн. Человек, который определил место шрифтов в дизайне

Почему он важен. Армин продвигал принципы, схожие со Swiss Design, однако в основу своих плакатов ставил работу со шрифтами, их положение и контраст с остальной картинкой.

Poster for the ballet'Giselle'

Плакат к балету «Жизель».

 

Почему о нем следует знать. Принципы экономически выверенного использования цвета и типографики актуальны и по сей день. Более того, последние несколько лет они даже прибавили в популярности.

Йозеф Биндер. Человек, который создавал убедительные плакаты

Почему он важен. Йозеф взял всё лучшее от геометрии кубизма и реалистичных образов, а после перенёс это в свои плакаты — получились запоминающиеся изображения, поражающие своей динамикой и монументальностью.

Poster for the World Exhibition in New York

Постер для всемирной выставки в Нью-Йорке.

 

Почему о нем следует знать. Если ты хочешь научиться создавать убедительный визуальный контент — изучи работы Биндера. Этот человек — признанный мастер красноречивых плакатов.

Александр Родченко. Человек, который сделал графику динамичной

Почему он важен. Родоначальник дизайна в СССР превратил плакаты из статичных картинок в динамичные истории. Жаль, что его творчество эксплуатировалось деспотичным СССР. Родченко знаменит во всем мире, однако в более свободной стране он смог бы раскрыться намного сильнее.

Poster'Cheap bread'

Плакат «Дешевый хлеб» в сотрудничестве с Маяковским.

 

Почему о нем следует знать. Работы Родченко — доказательство того, что дизайн становится более убедительным, когда в нём работает вся композиция: интересная идея и динамичное исполнение.

Мари Нейрат. Человек, который заменил слова иконками

Почему она важна. Мари в сотрудничестве с коллегами разработала систему визуализации данных Isotype — первый прообраз информационного дизайна. Вообще-то идеологом изотайпа считается Отто Нейрат, однако рисовала все эти символы именно Мари.

Page from the book Neurath

Страница из книги Нейрат.

 

Почему о ней следует знать. Если тебе нравится создавать иконки, тебе обязательно стоит познакомиться с работами Мари: именно она показала миру, как можно самый заурядный график превратить в захватывающую визуальную историю — при помощи понятных иконок.

Иоханнес Иттен. Человек, который описал искусство цвета

Почему он важен. Йохан — крупнейший исследователь не только физических свойств цвета, но и его связи с формой, содержанием и даже настроением картин.

Book cover

Обложка книги.

 

Почему о нем следует знать. «Искусство цвета» — если ты ещё не читал эту книгу, то быстро исправляй это упущение.

Эвклид. Человек, который дал нам Золотое сечение

Почему он важен. Мы знаем, что Эвклид жил не в 20 веке. Но он был первым, кто предложил понятие Золотого сечения, которое глаз воспринимает как самую «правильную» пропорцию. На этом основан весь дизайн — от графического до веб-дизайна.

The cover of the book Elements

Обложка книги «Элементы».

 

Почему о нем следует знать. «Элементы» Эвклида — это пособие по современному дизайну, написанное более 2 тысяч лет назад. Оливер Бёрн поработал над ним и сделал его ближе к нам — обязательно изучи эту версию. Эта книга была написана не в 20-м веке — в 1847 году.

Кстати, ниже ты найдешь еще двух человек, которые создавали графику задолго до 20-го века. Не удивляйся — мы не захотели перегружать заголовок словами «19 век».

Карл Герстнер. Человек, который заставлял типографику развиваться

Почему он важен. Карл ещё в 50-х годах 20-го века создавал работы, которые не теряют своей актуальности до сих пор, а также популяризовал искусство.

The cover of the album Boite a Musique

Обложка альбома Boite a Musique.

 

Почему о нем следует знать. Даже если ты не считаешь работы Карла стоящими внимания, обрати внимание на его подход: не останавливайся в творческом развитии — это означает смерть искусства.

Дизайн всегда помогал доносить информацию. Когда информации стало слишком много, понадобилась визуализация данных.

Шарль Жозеф Минар. Человек, который заложил основы инфографики 200 лет назад

Почему он важен. Шарль не был первым, кто нанёс линии на карту. Но он был первым, кто в основу этого ставил донесение информации понятным для людей визуальным языком. Сегодня такие графики, которые объединяют показатели количества в динамике, называют Sankey Diagram. Посмотри, насколько драматично выглядит инфографика военных походов, когда демонстрирует потери войск на каждом этапе кампании.

Hannibal's campaign

Поход Ганнибала в инфографике Минара.

 

Почему о нем следует знать. Именно Шарль стал революционером графических методов анализа и представления информации, и дал основу последующим работам. Интересно, что именно Минар первым использовал такой тип диаграмм, как sankey chart, однако свое название они получили от фамилии ирландского инженера Sankey, который использовал такой подход для изображения потока энергии в паровом двигателе.  

Уильям Плейфэр. Изобретатель графического отображения статистической информации

Почему он важен. Уильям изобрёл главные инструменты современной инфографики: линейные, столбчатые и круговые диаграммы.

Comparison of grain prices and wages of workers

Сравнение цен на зерно и зарплат рабочих.

 

Почему о нем следует знать. Уильям является прародителем информационной статистики, который совершил настоящую революцию в области представления данных.

Эдвард Тафти. Пионер визуализации данных

Почему он важен. Эдвард — автор книги «Представление информации», в которой рассказывает о важнейших принципах информационного дизайна: многомерном представлении информации, размещении информации по слоям и другом.

The book'Presentation of information'

Книга «Представление информации».

 

Почему о нем следует знать. Обязательно прочитай книги Эдварда, если ты работаешь с визуализацией данных. Принципы Тафти — как 10 заповедей.

Ханс Рослинг. Человек, который сделал из статистики шоу  

Почему он важен. Вместо гистограмм профессор Рослинг использует блоки LEGO, картонные коробки и другие предметы, чтобы «оживить» статистику.

A shot from a speech on TED

Кадр с выступления на TED.

 

Почему о нем следует знать. Ханс не был дизайнером, но наглядно показал, что даже самые скучные данные могут быть интересными и увлекательными, если их правильно подать. Если ты хочешь научиться рисовать инфографику, надо думать не только о графическом стиле, который ты используешь. Попробуй представить, как подать инфографику так, чтобы она смогла удивить читателя, рассказать ему интересную историю из данных.

В Украине так сложилось: любой, кто научился держать стилус, через неделю считает себя гуру дизайна. Но если бы стать дизайнером было так просто, мы бы не писали этих статей.

В плане дизайна Украина — страна, у которой есть богатая история. Казимир Малевич и его супрематисты, Георгий Нарбут, Нил Хасевич, Клавдия и Евгений Кудряшовы — далеко не полный список графиков, художников, работы которых удивляют людей во всём мире. В силу различных исторических причин, прежде всего, из-за вынужденной иммиграции и подчинения украинской дизайнерской школы советской идеологии, украинская школа не смогла нормально развиваться.

Сейчас у тебя есть все возможности сказать свое слово и поучаствовать в становлении новой школы украинского дизайна. Для этого важно не только отслеживать новые тренды (это делают все), но и понимать, откуда они идут и с чего всё начиналось. Не знать людей, о которых мы написали выше, для дизайнера — все равно, что пытаться проповедовать в христианской церкви, ни разу перед этим не открыв Библии.

Источник: businessviews.com.ua


Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте как обрабатываются ваши данные комментариев.